В США был арестован мужчина по имени Бизоу Ду-Ду Зопиттибоп-Боп-Боп. Ему предъявлены обвинения в хранении наркотиков, которые были найдены в его автомобиле, сообщает Associated Press.

В машине Бизоу, который сменил имя в 2011 году (при рождении он был назван Джеффри Уилшейком), сотрудник полиции, остановивший его за подозрительную манеру движения по автотрассе, обнаружил более полутора килограммов марихуаны, приспособления для изготовления и употребления наркотических веществ, а также весы и наличные деньги. В ходе расследования было установлено, что Бизоу Ду-Ду Зопиттибоп-Боп-Боп намеревался продать марихуану.

lenta.ru/news/2013/08/19/bopbop/

@темы: имена

---

Попозже посмотреть попристальнее

russianmyth.ru/slavyane/slavyanskie-imena/ - славянские имена. Не проверяла, насколько свободно от всякой чепухи.

@темы: имена

---

Оригинал взят у в Ксения Михайлова

@темы: камешки

---

А не делать ли нам в Северингии "Лорен-Дитрихи"? - пришла нам в голову мысль )))

Оригинал взят у в На чём ездил пан Козлевич?

— Адам! — закричал он, покрывая скрежет мотора. —
Как зовут вашу тележку?
— «Лорен-Дитрих», — ответил Козлевич.
— Ну, что это за название? Машина, как военный
корабль, должна иметь собственное имя. Ваш
«Лорен-Дитрих» отличается замечательной скоростью
и благородной красотой линий. Посему предлагаю
присвоить машине название — Антилопа. Антилопа-Гну.
Кто против? Единогласно.

© И. Ильф, Е. Петров, «Золотой телёнок»

А ведь «Лорен-Дитрих» существовал на самом деле, как и ничейный дядя «Студебеккер».

Вскоре после публикации знаменитого теперь романа Ильфу и Петрову здорово влетело от властей за созвучие марки самобеглого экипажа жуликов с ленинским Роллс-Ройсом и одинакового отчества их шофёров — пана Козлевича звали Адам Казимирович, ленинским же шофёром был, как известно, Степан Казимирович Гиль. Насилу братья-литераторы оправдались. А ведь Лорен-Дитрихи в дореволюционной России, да и не только, ценились не ниже легендарных Ройсов…

Марка Лорен-Дитрих (в оригинале пишется Lorraine-Dietrich) в 1905 году была присвоена автомобилям, выпускавшимся на новом заводе, принадлежавшем барону Эжену де Дитриху. Старое предприятие находилось в принадлежавшей немцам Лотарингии, в городе Ниденбронн. Оно занималось выпуском железнодорожного оборудования, а затем автомобилей под маркой De Dietrich. Новый же завод открыли в 15 километрах от границы, в Люневилле. Автомобили, выпускавшиеся на нём, настолько отличались от ранних конструкций, что владельцы завода решили подчеркнуть это сменой марки, добавив к ней фамилию нового компаньона и по совместительству главного инженера.

Козлевич, несомненно, хотел для привлечения клиентов «омолодить» свой моторизованный экипаж, и поэтому украсил его радиатор эмблемой более новых и престижных Лорен-Дитрихов, на которой красовались лотарингский крест, аисты и аэропланы.



Лорен-Дитрихи вскоре заставили говорить о себе, одерживая победы в гонках как на кольцевой трассе, так и на дальней марафонской дистанции. Машина этой марки победила в гонке Москва–Санкт-Петербург в 1913 году и сразу после финиша приняла участие в автомобильной выставке.

Но и ранние De Dietrich пользовались солидной репутацией – ведь участие в их разработке принял Этторе Бугатти. Впоследствии он стал мировой знаменитостью, а тогда ему было всего 20 лет и за плечами он имел лишь небольшой опыт работы на маленьком заводике Prinetti&Stucchi в родной Брешии. Впрочем, талант сам решает, когда ему проявиться. Первые De Dietrich имели змеевиковый радиатор в виде медной гофрированной трубки, который начищали до блеска, цепной привод ведущих колёс.



Короткая база обеспечивала Дитрихам манёвренность, нелишнюю на гоночной трассе, но дорожные варианты представляли собой слегка улучшенные варианты гоночных со всеми вытекавшими последствиями. В частности, можно было установить лишь один тип кузова – съёмный, типа «тонно». Пассажиры попадали в него через дверцы, служившие одновременно спинками сидений.

«Тонно» имело ещё одну особенность — на него крайне сложно было установить складной матерчатый или кожаный верх для защиты от дождя, поэтому обходились балдахином на стойках. Этот балдахин нередко украшался бахромой.

Вот такая она была, «Антилопа-Гну» — высокая, неуклюжая, помпезная, как старинная карета, с большими задними колёсами, огромным клаксоном и ацетиленовыми фонарями. Но были люди, ценившие эти старинные самоходные экипажи. Ещё до революции их признавали музейными ценностями. А когда музейные фонды попали на рынок, то их приобретали разные люди – например, зощенковский персонаж, которому достались царские сапоги. Не исключением был и Козлевич, купивший раритет с целью заняться на нём частным извозом.



Известные иллюстрации и реплики «Антилопы», например, машина, стоявшая в фойе ресторана «Золотой Остап», основаны скорее на описаниях поздних Лорен-Дитрихов. К слову, фирма благополучно пережила Первую Мировую и в 1923 году разработала скоростную спортивную модель 15CV. Эта машина была предназначена для побед в гонках, прежде всего 24-часовом марафоне на трассе Ле Мана. Она выиграла его дважды — в 1925 и 1926 году, став первой машиной, выигравшей знаменитую гонку дважды, и первой, победившей два раза подряд.

Источник.

@темы: история транспорта

---

Оригинал взят у в Утренняя паутина

@темы: фото

---

Оригинал взят у в Po Pin Lin. Street city rain

@темы: картины

---

из этой фотоподборки www.liveinternet.ru/users/3820321/post287545599...

@темы: фото

---

Художник Аркадий Олейник

из этой подборки lipa-fv.ru/post287603649/?upd

@темы: картины

---

Если вы (вдруг) думали, что вы человек левополушарный и логический или, наоборот, правополушарный и эмоциональный, то знайте, фигня все это. Как пишет Daily Mail, недавнее neuroscience исследование опровергло теорию, что одно из полушарий может доминировать и что вообще способности и тип мировосприятия - логический или эмоциональный - зависят от полушарности.
Исследователи из университета Юты изучали сканы работы мозга 1000 человек в возрасте от 7 до 29 лет. Проверили зоны, которые, по предшествующим теориям, наиболее бы часто использовались в тех или иных ситуациях. И выяснили, что нельзя сказать, что некто использует правое полушарие чаще или левое. Хотя остальные наработки - что за язык отвечает левое полушарие, а за внимание - правое - не опровергнуты. Так что вошедшая одно время в моду привычка делить людей на правополушарных и левополушарных, увы, ненаучна.
wombatik.livejournal.com/6011341.html

@темы: медицина

---

16.08.2013 в 14:30

Пишет  Taho:

Секретное знание
В который раз дивлюсь насколько крутые документальные фильмы делают на bbc.
и еще более удивительно, что они не выпустили на двд свою серию "imagine" которая идет аж с 1983 года и рассказывает об искусстве и всем с ним связанном. и еще есть смежная серия "omnibus".вот и в этот раз попался двухсерийный фильм - Дэвид Хокни : Секретное знание.
хокни очень известный в мире британский художник который занимается кажется всеми формами - от живописи до фотографии. но он еще и просто человек у которого куча любопытства.

однажды он разглядывал рисунки Жана Огюста Доминика Энгра (Jean Auguste Dominique Ingres) - это были рисунки английских туристов в Риме. Энгр был лидером французской академической школы 19 века. а Хокни просто стало интересно посмотреть его небольшие рисунки в большем масштабе и он их увеличил на
ксероксе. и вот так он наткнулся на тайную сторону в истории живописи начиная с ренессанса.



Сделав ксерокопии маленьких (примерно 30 сантиметров) рисунков Энгра, Хокни был поражен тем насколько они реалистичны. И еще ему показалось будто линии Энгра ему что-то напоминают. Оказалось, что напоминают они ему работы Уорхола. А Уорхол делал так - проецировал фото на холст и обрисовывал его. Как вот здесь например рисунок Мао Цзедуна справа и деталь рисунка Энгра слева.


Интересные дела говорит Хокни. Судя по всему Энгр использовал Camera Lucida - устройство, которое представляет собой конструкцию с призмой которая крепится например на стойке к планшету, таким образом художник глядя на свой рисунок одним глазом видит реальное изображение а другим собственно рисунок и свою руку. Получается оптическая иллюзия позволяющая точно переносить пропорции реальные на бумагу. А это как раз и есть "залог" реалистичности изображения.



Затем Хокни не на шутку заинтересовался этим "оптическим" видом рисунков и картин. В своей студии он вместе со своей командой развесил по стенам сотни репродукций картин созданных на протяжении веков. Работы которые выглядели "реально" и те которые не выглядели. Расположив по времени создания, и регионам - север наверху, юг внизу, Хокни с командой увидел резкий перелом в живописи на рубеже 14-15 веков. Ну это вообщем всем кто хоть немного знает об истории искусства известно - ренессанс. И вообщем согласно официальной истории искусства просто около 1420-х годов все внезапно стали сильно лучше рисовать.



То есть это как бы само собой разумеется, что вдруг внезапно всё взяло и случилось. Когда я учился в своем художественном заведении то вообщем никогда об этом не думал, потому что тогда еще не было такого колличества разливного пива и студенческая жизнь была непроста.



Может они пользовались той самой камерой люсидой? Она была запатентована в 1807 году Вильямом Хайдом Волластоном. Хотя на самом деле такое устройство описывается Йоханесом Кеплером еще в 1611 году в его труде Dioptrice. Тогда может быть они пользовались другим оптическим устройством - камерой обскурой? Она ведь известна еще со времен аристотеля и представляет собой темную комнату в которую сквозь небольшое отверстие попадает свет и таким образом в темной комнате получается проекция того что перед отверстием но в перевернутом виде. Всё бы ничего но то изображение, какое получается при проекции камерой обскурой без линзы мягко говоря не качественное, оно не четкое для него требуется очень много яркого света, не говоря уже о размерах проекции.
Но качественные линзы было практически невозможно изготовить вплоть до 16го века,поскольку не существовало в то время способов получить столь качественное стекло. Делаа, подумал Хокни, к тому моменту уже бившийся над проблемой вместе с физиком Чарльзом Фалко.

Однако есть картина Ян Ван Эйка - мастера из Брюгге, фламандского живописца эпохи раннего возрождения, - в которой спрятана подсказка. Картина называется "Портрет Четы Арнольфини".



Картина ну просто блещет огромным колличеством деталей, что довольно интересно, ведь она написана только в 1434 году. И подсказкой о том каким образом автору удалось сделать такой большой шаг вперед в реалистичности изображения служит зеркало.



А также подсвешник - невероятно сложный и реалистичный.



Хокни - художник и так как его распирало любопытство, то раздобыл копию такой люстры и попытался нарисовать её.Он столкнулся с тем, что такую сложную штуку хрен нарисуешь в перспективе и еще одним важным моментом была материальность изображения этого металиического предмета. При изображении стального предмета очень важно расположить блики как можно более реально, так как это придает огромную реалистичность. Но проблема с этими бликами в том, что они двигаются когда двигается взгляд зрителя или художника, то есть запечатлеть их вообще непросто. И реалистичное изображение металла и бликов - это тоже отличительная черта картин ренессанса, до этого художники даже и не пытались этого делать.

В то же самое время, в 1435 году Альберти, архитектор и теоретик из Флоренции, описывает в своей книге о живописи устройство для точного перенесения изображения - рамку внутри которой расположена сетка, таким образом мерять пропорции у натуры можно было по квадратам и по квадратам же переносить в рисунок. Пользоваться такой хреновиной чрезвычайно непросто и потом - ей можно пользоваться только в одной точке пространства, то есть рисовать только кусок и только с одного места.



Воссоздав точную трехмерную модель люстры, команда Хокни убедилась в том, что люстра на картине "Портрет Четы Арнольфини" нарисована точно в перспективе с одной точкой схода. Но проблема была в том, что таких точных оптических инструментов как камера обскура с линзой не существовало еще примерно век после создания картины.



Подсказкой служит тот факт, что на картинах Возрождения внезапно появляется яркий, контрастный и обьемный солнечный свет. Особенно это видно на картинах Ван Эйка - а ведь он жил на севере, в Брюгге.



А на детали портрета видны суженные зрачки позировавшего - значит сидел он при ярком солнечном свете.



Но если вернутся к портрету четы арнольфини, то там видно зеркало. На увеличенном фрагменте видно, что зеркало выпуклое. А значит были и зеркала наоборот - впуклые. Даже более того, в те времена такие зеркала делались таким образом - бралась стеклянная сфера, и её дно покрывалось серебром,затем всё кроме дна отсекалось. Задняя сторона же зеркала не затемнялась. Значит вогнутым зеркалом Яна Ван Эйка могло быть то самое зеркало, которое изображено на картине, просто с обратной стороны. И любой физик знает, что такое зеркало при отражении проецирует картинку отражаемого. Вот тут с расчетами и исследованиями и помог Дэвиду Хокни его знакомый физик Чарльз Фалко. Вогнутые зеркала были известны с древних времен, они назывались зеркалами для выжигания, считается что Архимед использовал их чтобы сжечь вражеские корабли.



Размер четкой, сфокусированной части проекции примерно 30 квадратных сантиметров - а это как раз размер голов на множестве портретов эпохи Возрождения. Это размер к примеру портрета "Доджа Леонардо Лоредана" авторства Джовании Беллини (1501), портрета мужчины авторства Роберто Кэмпина (1430), собственно портрета Яна Ван Эйка "мужчина в красном тюрбане" и ещё множества ранних голландских портретов.



И конечно все эти ребята не были дуракам, чтобы ходить и рассказывать свои секреты повсеместно - ведь живописец это работа, работа за немалые деньги. Ян Ван Эйк никогда не записывал формул своих лаков и красок - очевидно он не хотел, чтобы они попали в чужие руки. Прекрасное время Ренессанса известно тем, что помимо взлета искусств в то время были большие конкурсы за заказы и прирезать могли запросто. Получается, что для художника куда выгодней если все непосвященные люди будут считать, что секрет в руках мастера и их не украсть.
Бизнес!
И естественно бизнес был закрытым для посторонних - художники состояли в гильдии, в ней же состояли самые разные мастера - от тех кто делал седла до тех кто делал зеркала. И в Гильдии Святого Луки (Guild of Saint Luke) , основанной в Антверпене и впервые упоминаемой в 1382 году (затем подобные гильдии открылись во многих северных городах и одной из крупнейших была гильдия в Брюгге - городе где жил Ван Эйк) тоже были мастера изготавливающие зеркала.

И теперь Хокни воссоздал то каким образом можно нарисовать сложную люстру с картины Ван Эйка.



Совсем неудивительно, что размер спроецированной люстры сегодня точно совпадает с размерами люстры на картине "портрет Четы Арнольфини" - восемь дюймов в ширине.Ну и конечно блики на металле - теперь, на проекции они стоят на месте и не меняются когда художник меняет положение.
Во время воссоздания натюрморта одного из "малых голландцев" на котором изображена капуста, висящая на веревочке Дэвид Хокни удивился еще больше - подвешенная капуста вертелась на нитке и когда он заглянул в темную комнату то увидел яркую цветную проекцию на холсте - и капусту, которая вертелась. Он подумал - бог мой, да ведь они видели цветное кино 600 лет назад! Это же цветное ТВ эпохи Возрождения!

Но проблема всё еще не решена полностью, ведь до появления качественной оптики которая нужна для использования камеры обскуры оставалось 100 лет,а размер проекции получаемой с помощью зеркала очень мал. Каким образом писать картины больше размера 30 квадратных сантиметров ?
На севере, в Брюгге судя по всему в то время были весьма отдаленные представления о перспективе и потому картины создавались как коллаж - из множества точек зрения,получалось такое как бы шарообразное зрение с множеством точек схода. Примеров такой "не нормальной" перспективы полно. Взять хотя бы "Тайную вечерю" Дирка Бутса написанную в 1464-1467 годах.





В картине полно невероятных деталей и очень реалистичных. Но общее ощущение - как будто бы каждый кусочек близко, несмотря на то что как и в настоящей перспективе здесь есть вещи которые больше-ближе и дальше-меньше, точек схода здесь очень много и все они не согласованы. Хокни понял это, поскольку сам занимался такими картинками - он делал множество фото-коллажей,в которых достигается точно такой же эффект.





Наконец если сравнить шедевр Ван Эйка - алтарь в кафедральном соборе Сен Бовэ в Генте,а точнее его центральную панель с еще одной работой Хокни - фото-коллажем пустынной дороги, то становится очевидно что здесь работает один и тот же принцпип составного изображения, словно бы это взгляд именно двумя глазами а не вид из окна с перспективой.





С тем же принципом написаны и другие шедевры Ван Эйка.





Теперь вновь заедем во Флоренцию.В 1425 году Филиппо Брунелески, великий архитектор и инженер тех времен, автор купола Базилики Санта Мария Дель Фьйорэ, сделал первые известные в истории изображения с центральной перспективой. Он написал две панели,которые увы сегодня не сохранились, но по описаниям его биографа и свидетельств очевидцев представляли собой виды города, одним из которых был вид на Флорентийский Баптистерий.
Размер панелей подозрителен - примерно 30 сантиметров.



Брунелески считается изобретателем центральной перспективы. Или скорее первооткрывателем. Но проблема в том, что у центральной перспективы одна точка схода, как например здесь, на картине Мазолино, написанной в 1435 году.



Проблема - потому что в жизни так не бывает, реальная перспектива куда сложнее, в ней множество точек схода. И проблема потому что человеческий глаз так не видит. Значит каким то образом Брунелески увидел это изображение уже оптическим способом. И Дэвид Хокни воссоздал то как знаменитый архитектор это сделал.
На три метра внутрь центрального входа в Флорентийский кафедральный собор - именно настолько зашел Брунелески вовнутрь, таким образом попав в темное помещение где можно было увидеть проекцию Баптистерия на листе.
Это Хокни и воссоздал.



Подкованность в науках и дружба с новейшими технологиями одного архитектора помогли сделать огромный шаг вперед к реалистичности во всей западной живописи. Спустя почти век, в 1500х наконец стало возможным получить и хорошо обработать стекло - появились большие линзы. А их можно было наконец вставить в камеру обскуру, принцип действия которой был известен еще с древних времен. Камера обскура с линзой была невероятной революцией в визуальном искусстве, поскольку теперь проекция могла быть любого размера. И еще один момент, теперь изображение было не "широкоугольным" а примерно нормального аспекта - то есть примерно таким какое оно сегодня при фотографии с линзой с фокусным расстоянием 35-50мм. На словах разницу понять тяжело, но это очень заметно на картинах Караваджо.



слева показана картина Караваджо "Больной Вакх" датированная 1593 годом. Справа его же полотно "Вакх" написанная в 1596 году. Точка зрения на левом полотне явно более широкая и близкая к персонажу, она как бы составлена из разных частей, как и полотна северных живописцев веком ранее. Более поздняя же работа больше похожа на фотографию, поскольку имеет нормальную перспективу, точка зрения более отдалена от персонажа.Это и есть переход от вогнутых зеркал к линзам. Хокни воссоздал такую камеру и когда видишь настоящие проекции, то сразу отпадают все возможные вопросы.



Однако проблема в использовании камеры обскуры с линзой заключается в том, что прямая проекция из линзы зеркальна, это привело к большому колличеству левшей в живописи на ранних этапах использования оптики. Как и здесь, на картине "Вакх" у Караваджо. Или же как на этой картине из 1600х их музея Франса Халса, где танцует пара левшей, им грозит пальцем леворукий старик,а под платье женщины заглядывает леворукая обезьянка.



Проблема решается установкой зеркала в которое направлена линза, таким образом получается правильная проекция.Но судя по всему зеркало, хорошее ровное и большое зеркало, стоило немалых денег, так что было не у всех.

Еще одной проблемой была фокусировка. Дело в том, что некоторые части картинки при одном положении холста под лучами проекции были не в фокусе, не четкими. Впрочем это не было проблемой для всех.На работах Яна Вермеера, где совершенно очевидно видно использование оптики, его работы вообще выглядят как фотографии, можно также заметить места не в "фокусе". Виден даже рисунок который дает линза - пресловутое "боке". Как например здесь, на картине "Молочница" (1658) корзинка, хлеб в ней и синяя вазочка не в фокусе. А ведь человеческий глаз не может видеть "не в фокусе".



Вермеер был вообще очень большим мастером и потрясающе передавал свет, цвет и сложные текстуры и рисунки в своих работах. Как например невероятно точное отражение женщины в зеркале и почти живой дом.





И в свете всего этого, совсем неудивительно, что хорошим другом Яна Вермеера был Антоний Филлипс ван Ливенхук, ученый и микробиолог, а также уникальный мастер создававший собственные микроскопы и линзы. Множество историков искусства спорят, считая что дружбы между Вермеером и Ливенхуком не водилось, однако ученый стал посмертным распорядителем художника. И довольно сложно предположить, что в городе с населением 24,000 человек крупный ученый и совсем не мелкий мастер живописи не были знакомы. А это позволяет предположить, что Вермеер изобразил именно своего друга на двух полотнах - "Географ" и "Астроном".





И кстати Ливенхук не записывал собственных секретов, он говорил, что есть вещи "которые он может доверить только себе". Веками ученые не могли воссоздать его линзы и лишь в 1950х это удалось сделать (что забавно, абсолютно независимо друг от друга) в США и в Новосибирском Государственном Медицинском институте.

Но так вот, фокусировка. Для того, чтобы увидеть какую либо часть в фокусе, нужно изменить положение холста под лучами проекции. Но в таком случае появлялись ошибки в пропорциях. Как это видно здесь : огромное плечо "Антеи" Пармеджанино (около 1537), маленькой голове "леди Дженовезе" Антониса Ван Дайка (1626) , огромным ногам крестьянина на картине Жоржа Де ля Тура.



Принцип по которому возникают такие искажения показан Хокни при реконструкции "Крестьянской жены" Жоржа Де ля Тура.



Безусловно все художники использовали линзы по разному.Кто то для набросков, кто то составлял из разных частей - ведь теперь можно было сделать портрет а всё остальное дописать с другой моделью или же вообще с манекеном.
Рубенс составлял великолепные композиции,но к вот от Франса Халса не осталось вообще ни одного рисунка. Он вообще всегда писал "сразу", как это потом, в 19 веке называлось импрессионистами аля-прима. Однако точность и живость линий Халса на картинах просто невероятна.





Почти не осталось рисунков и у Веласкеса.Однако остался его шедевр - портрет папы Иннокентия 10го (1650).
На мантии папы - очевидно шелковой, - прекрасная игра света. Бликов. И чтобы написать всё это с одной точки зрения нужно было очень постараться. А ведь если сделать проекцию, то вся эта красота никуда не убежит - блики больше не двигаются, можно писать именно теми широкими и быстрыми мазками как у Веласкеса.



Кино родилось задолго до братьев Люмьер, постановка историй - этим занимались еще за 400 лет до пленки. И конечно самым ярким режиссером Ренессанса стал Караваджо, с его драматическим светом и библейскими сюжетами. Караваджо писал только истории - даже вакхи у него и те, не просто так сидят,а играют либо больны.











Караваджо в первую очередь был режиссером и ему можно простить оптические ошибки - как на последнем полотне, где старик разводит руками, а дальняя ладонь больше той которая на первом плане и корзинок на столе.
То насколько он был близок к тому, что сегодня назвыается кинематографом просто поразительно, ведь даже казусы на его картинах прямиком из сегодняшнего кино - как на этой картине "Картежники", где использована одна модель дважды и сюжетно вполне очевидно куда смотрит мужчина сзади - он смотрит в карты соседу, но на картине его взгляд уставлен в затылок соседа. Почему? Всё просто, ведь модели писались по одиночке и позировали поодиночке - нелегко направить взгляд актера когда ему некуда в реальности смотреть. То же самое происходило в кино вчера - при съемке крупного плана актер смотрит часто не туда, куда нужно и то же самое есть сегодня когда съемки фильмов происходят на зеленом фоне,потому что окружение воссоздается трехмерной графикой.
Впрочем всё это абсолютно никак не умаляет огромного таланта Караваджо, в первую очередь таланта режиссера.



Реконструкция картины "Картёжники" :



Впоследствие камера-обскуру смогли позволить себе многие художники и всё это перестало быть большим секретом. Каналетто активно использовал камеру для создания своих видов Венеции и не скрывал этого.







Эти картины, благодаря своей точности позволяют говорить о Каналетто как о документалисте. Благодаря Каналетто можно увидеть не просто красивую картинку, но и саму историю. Можно увидеть каким был первый Вестминстерский мост в Лондоне, в 1746 году.



А вот наброски Каналетто, сделанные с помощью камеры.



Британский художник Сэр Джошуа Рейнольдс владел камерой-обскурой и очевидно никому об этом не говорил, ведь его камера складывается и выглядит как книга.Сегодня она находится в Лондонском научном музее.



Наконец в начале 19 века Вильям Генри Фокс Тэлбот, воспользовавшись камерой люсидой - той самой, в которую надо глядеть одним глазом а рисовать руками, выругался, решив что с таким неудобством надо покончить раз и навсегда и стал одним из изобретателй химической фотографии,а позднее популяризатором, сделавшим её массовой.
С изобретением фотографии, монополия живописи на реалистичность картинки пропала, теперь фото стала монополистом. И вот тут наконец живопись освободилась от линзы,продолжив тот путь с которого свернула в 1400х, и Ван Гог стал предтечей всего искусства 20 века. Изобретение фотографии на мой взгляд - самое лучшее, что случилось с живописью за всю её историю. Больше не нужно было создавать исключительно реальные изображения, художник стал свободен. Конечно публике понадобился целый век, чтобы догнать художников в понимании визуальной музыки и перестать считать людей вроде Ван Гога "сумасшедшими". Искусство становилось исключительно свободным. Русские передвижники - это уже чисто политическое движение в искусстве, социальная живопись! При этом художники активно пользовались фотоаграфиями в качестве "справочного материала". Потом уже появились такие люди как Василий Кандинский, русский авангард, Марк Ротко, Джексон Поллок. Вслед за живописью освободилась и архитектура, скульптура и музыка. Правда русская академическая школа живописи застряла во времени и сегодня до сих пор в академиях и училищах считается позором использование фотографии в помощь, а высшим подвигом считается чисто техническое умение рисовать как можно более реалистично голыми руками.



Сегодня 2010 год, когда Дэвид Хокни и Чарльз Фалко создавали свою теорию о использовании оптики в живописи Ренессанса, был 2001. Тогда Хокни сказал - химия когда то заменила руку художника в камере, сегодня химическая фотография умирает. Девять лет спустя цифровая картинка как никогда реальна, цифровое видео дает уже не просто возможность посмотреть, но пережить самый настоящий кусок реальности. Вокруг теории Хокни-Фалко до сих пор множество споров, однако лично мне кажется что это самая настоящая правда. Что касается искусствоведов, критиков и историков - даже представить трудно сколько научных трудов по истории и искусству на самом деле оказались полной ерундой, это же меняет всю историю искусства,все их теории и тексты. Факты использования оптики нисколько не умаляют талантов художников - ведь техника это средство передачи того что хочет художник. И наоборот, то что в этих картинах есть самая настоящая реальность, только добавляет им веса - ведь именно так выглядели люди того времени, вещи, помещения, города. Это самые настоящие документы.
И сегодня, когда очевидно что средства для создания реалистичной живой картинки становятся все более и более доступными мы все, хочешь или нет, стоим уже не на пороге а уже даже внутри чего то нового и пожалуй куда еще более прекрасного и интересного.

И это бля, круто!

p.s.: Благодаря статье журналиста Лоуренса Вешлера (Lawrence Weschler), присутствовавшего при исследованиях Дэвида Хокни и Фалко, выясняется еще один интересный факт : портрет четы Арнольфини, кисти Ван Эйка это ведь портрет итальянского купца в Брюгге. Мистер Арнольфини - Флорентиец и более того, он представитель банка Медичи (практически хозяева Флоренции времен Ренессанса, считаются покровителями искусства того времени в Италии). А это говорит о чем? О том, что он запросто мог увезти секрет гильдии Святого Луки - зеркало, с собой, во Флоренцию, в которой, как считается в традиционной истории, и начался Ренессанс, а художников из Брюгге (и соответственно и других мастеров) считают "примитивистами".



p.p.s.: Напоследок ещё хотелось бы показать полный, простите, отвал башки. Полотно авторства Ханса Хольбейна Младшего "Послы". Оно написано в 1533 году! А в нём - оптическая иллюзия - шутка Хольбейна, череп изображенный таким образом, что если подойти к картине сбоку и вскользь на неё смотреть, то череп будет в нормальной перспективе.





(с)

@темы: картины

---

Оригинал взят у в Пусть фамилию Кинг лучше запретят

В штата Теннесси родители поспорили о втором имени своего сына и пожаловались в суд, а судья Лу Энн Бэлью запретила им использовать первое имя мальчика - "Мессия". Как она сказала WBIR-TV, мессия - это титул, который мог носить только Иисус Христос. Если бы ребенку вместо имени дали этот титул, у него в будущем могли бы возникнуть проблемы там, где он живет. У них на раене много христиан.

Мать ребенка Джализа Мартин хотела назвать его Мессия Дешон Мартин. По решению судьи и к неудовольствию матери, мальчик получил имена Мартин Дешон Маккалох. Джализа считает, что судья не имела право переименовывать ребенка, руководствуясь своей религией. Мало ли, кто во что верит. Она мать, ей и выбирать имя. В общем, сына она продолжит называть Мессией, а решение судьи Бэлью оспорит в апелляционной инстанции.
По официальной статистике, в 2011-2012 гг. имя Мессия было четвертым в рейтинге роста популярности в США и 387-м в общем рейтинге частотности имен для новорожденных. О популярности имени Горшок ничего не сообщается.

И коменты к жж-посту тоже читать

@темы: имена

---

Оригинал взят у в Верховья Ра

Одна из немногих истин, которые я знаю – это то, что Кама ни при каком раскладе не впадает в Каспийское море.



Большинство пожмет плечами – ну да, Кама впадает в Волгу, а уж та – в Каспий. Более эрудированные вспомнят любопытный географический казус: с точки зрения гидрогеологии, фактически в месте слияния рек именно Волга впадает в Каму: Кама полноводней, ее исток дальше от места слияния, чем у Волги, она принимает воды большего количества притоков, а после слияния река идёт как продолжение камского русла, а не волжского:



Однако ради гидрологической точности исторически сложившиеся названия менять незачем, но если бы и возникла такая нужда, то Каме все равно не судьба протянуться до Каспийского моря, потому что тогда за нее это сделает Вишера: в месте ее впадения в Каму ситуация точно такая же, как и у Камы с Волгой:



Птолемей называл Волгу рекой Щедрой, или Ра (Rha flu; на некоторых мордовских языках она до сих пор называется Рав). Так вот на самой ранней копии птолемеевской карты названием Rha подписана Кама. Волга же нарисована как приток без названия. Если бы Волго-Каме вернули историческое имя времен Птолемея, то географическое название "Прикамье" утратило бы смысл, уступив место Приралью, или, точнее, Уралью. В настоящий же момент длиннейшая река Европы, впадающая к Каспийское море, в силу исторических причин не имеет единого названия, а отдельные ее участки названы Волгой, Камой и Вишерой.



Слово же "ВишеРА", однако, никакого отношения к Ра не имеет и восходит к финно-угорскому Войшор или Войшур – "Чистая река". Я тут вам как раз фотки с Вишеры хотел показать, но опять умствовать принялся и устал. Потом покажу.

@темы: блокнот

---

sholl.diary.ru/p190825684.htm

@темы: птички

---

Фамилии

отсюда twistedsifter.com/2013/08/maps-that-will-help-y...

там же много самых разных неожиданных карт

@темы: карты, фамилии

---

из этой фотоподборки natalist.livejournal.com/670939.html

@темы: пейзажи

---

Художник Джон Салминен (John Salminen) www.liveinternet.ru/users/3244445/post287296379...



Джон Салминен (John Salminen) — один из самых признанных акварелистов Америки. Джон очень трудолюбив и рисует от 6 до 10 часов в день в студии, находящейся в подвале. Как правило, художник сначала фотографирует городские пейзажи, а затем переносит их на бумагу акварелью. В его картинах можно узнать Чикаго Луп, Сан-Франциско, Гринвич-Виллидж, а также Шанхай или Париж в дождливую погоду. Способность Салминена задавать настроение с помощью цвета, света и тона — непревзойденна.



Работы Джона включены во многие частные и государственные коллекции, в том числе в Американское сообщество акварелистов, Национальное сообщество акварелистов, Прозрачное общество акварелистов Америки и в другие. Художник завоевал более 200 наград в национальных и международных выставках.

>>>>>>>>>>>>

(c) http://usenkomaxim.ru/2013/03/10/john-salminen-kartinyi-akvarelyu-gorodskoy-peyzazh/

http://geeboo.ru/akvarelnye-kartiny-gorodskix-pejzazhej-ot-dzhona-salminena/

@темы: картины

---

Военная книга Филиппа фон Зельденэка, 15 век dara-valevski.diary.ru/p190812181.htm

@темы: история оружия

---

Оригинал взят у в Птица-над-облаками. М.Терешкова

@темы: картины

---

p-i-f.livejournal.com/4768715.html Российские гаремы 19 века.

@темы: женский вопрос

---

Эрратическая семантика

Мода на эрративы возникла внезапно и довольно быстро сошла на нет. Вопрос, почему она появилась, не очень простой. Возможно, ответ на него связан с тем, что несколько поколений людей, которых мы бы на современном жаргоне назвали «пользователями языка», привыкли к постоянным указаниям, как надо. У этого тотального диригизма есть оборотная сторона.
1

Огромная масса простых носителей языка выталкивается в маргиналы. Их узус не уважают. Как человек сопротивлялся этому? В моей юности, например, да и до сих пор, мы с некоторыми друзьями говорили и говорим, килОметры вместо киломЕтры, магАзин вместо магазИн, прекрасно зная, что это неправильно. И это не игра под простонародный выговор, а заявление права на диглоссию. Мы знаем, что есть правила языка, и эти правила надо соблюдать. Но в какой-то момент оказывается, что человеку удобнее или нужнее – цели могут быть самые разные: это могут быть цели сокращения, или цель создать произведение словесное, которое понятно вам и мне, – так вот удобнее и нужнее, правильнее, иначе говоря, совершенно сознательно исказить норму.

Более того, выясняется, что когда мы искажаем эту норму, то внутри этого искажения мы начинаем соблюдать новую норму – норму искажения. Например, тот, кто пишет «аффтар» с одним «ф», совершает грубую ошибку. Потому что законы эрратива требуют, чтобы «аффтар» был с двумя «ф» и двумя «а». «Жжот» можно написать только через два «ж» и «о», никак иначе. И выясняется, что эрратив в своей основе – это просто другая система правильности, другая норма, которая существует параллельно обычной. Но она и не просто вывернута наизнанку, а почти зеркальна, или хиральна. Отличается такое написание от ошибочного тем, что человек, владеющий эрративом, должен владеть и обычной нормой.
Дедова, О. В. Антиорфография в Рунете / О. В. Дедова // Русский язык: исторические судьбы и современность: III международный конгресс исследователей русского языка : тр. и материалы. – М., 2007. – С. 342-343.
2

Ситуация в которой человек учит две системы написания, напоминает старый анекдот про пастуха, у которого спрашивают, как же вы считаете своих овец: они же бегут, вот эта шерсть – волнующееся море. Он говорит: да ну что вы, я никогда и не считаю по головам! Я считаю ноги и делю на 4. Это вот и есть эрратическое написание. Когда человек, нарочито искажая норму, и сам для себя, и для своего читателя на заднем плане держит правильное написание, нормативное. Почему он это делает — более сложный вопрос. Это делают почти все люди, и, конечно, это стало модным, потому что интернет-коммуникации обеспечивают людей беспрерывным обменом письменными сообщениями. Люди пишут очень много, но все, что они пишут, несмотря на то, что пишут они пальцами, они одновременно проговаривают. Это моментальное письменное выражение устного узуса, устной практики. И вот в этом сочетании устности и письменности возникает потребность в новой форме, которая держит одной рукой старую норму, а другой рукой – потребности в нашей коммуникации нынешней.
Кронгауз М.А. Самоучиталь Олбанского. М., Изд-во АСТ, 2013.
3

С 2006 по 2010 год существовала мода на эрративы, и связано это еще и с тем, что выросло поколение, которому сама идея предписывания, в общем, чужда. Люди старшего поколения не так охотно играли в эти игры, потому что сильна привычка «нам скажут, как нам писать». А продвинутые молодые люди не любят, когда им так говорят, и начинают вырабатывать какую-то собственную практику написания. Не все, конечно. Среди молодых ведь не меньше внутренних полицейских, как и среди бабок, судачивших у подъездов моей юности: эти всегда знали, как кому надо жить и говорить. Недостаток всякого эрратива: когда его становится много, он прискучивает. А попытки писать целые литературные произведения с применением этого языка ускоряют расставание с модой.
Вместе с тем, сильным стимулом для эрративного хулиганства остается всевластие формально правильной, но по сути выхолощенной, деревянной, казенной речи. Кто-то тычет тебе в нос этой формальной правильностью, но язык это далеко не только грамматика и правильное склонение-спряжение, это – предложение, смысл, содержание высказывания. Что делать, если формально правильным языком в мир на твоем языке несут банальный вздор, бегут с вилами прописных истин наперевес? И не захочешь – заголосишь этими самыми эрративами.
Правда, теоретик и историк языка нас бы поправил: а разве весь язык, само его постоянное движение – не постепенное узаконивание вчерашних грубых ошибок? Разве русский лобзик – это не эрратив немецкого слова «лаубзэге»? Разве вся наука этимология – не об истории иногда нарочитых искажений?
Liberman, Anatoly. Word Origins And How We Know Them. Oxford UP, 2009.
4

Исторических примеров эрративов очень много. Их надо видеть в более широком контексте. Э.Т.А. Гофман играет с немецкими словами,записывая их греческими буквами. Это получается смешно. Или язык футуристов, наших будетлян, которые просто создавали новые слова. Именно внутри футуристической эстетики возникает интереснейшее явление – теория так называемого остранения, которая строится на неправильном написании слова «остраннение» у Виктора Шкловского. Или, наоборот, через странное – новый взгляд на привычное. В этом слове «остранение» — должна быть одна «н», а сама теория остранения, как бы ее ни переводили на другие языки, эту эрративную сущность, нарочитую неправильность в своем главном концептуальном слове не видит.


Надо сказать, что сам русский язык, само русское письмо является воплощением творческой идеи эрратива, вот и наша азбука составлена из греческих и еврейских букв. Игра, начатая Кириллом и Мефодием, идет все время. Само слово «грамота», которым мы пользуемся, является эрративом: «гра-мо-та». По-эстонски «раамат» — книга, от греческой «граммы» – буквы. Так что такое наше слово? Поэтому смешной эрратив «грамматный» – это прямо-таки гиперкоррекция «неграмотного» слова «грамотный». Так через эрратив восстанавливается исторический корень.
А новые потешные русские буквы-контаминаты – пц, которую, говорят, придумал Леонид Каганов, «ха краткая«, «ц краткая» (для обозначения универмага на Цветном бульваре, «б» с тремами? В большинстве случаев этот мелкий вздор кажется дымом без огня, или, так сказать, быстро прогорающей стерней. Но кто знает, может быть, через несколько лет появятся издания русской азбуки, в которой будет место и для этих буквенных шуток? Революция изобразительного, или визуальности, создает новые предпосылки для самого взгляда на букву, письмо, печать как явления искусства. Конфликт нескольких знаковых систем многие фиксируют как нарочитое нарушение существующих правил, хулиганское эрративное поведение. Но мы твердо знаем, что нас ждет в будущем: появление новой породы людей, которые будут уметь быстрее переходить с кода на код и смешивать коды в своей повседневной практике.
Farago, Claire J; Zwijnenberg, Robert (eds.). Compelling visuality: the work of art in and out of history. Minneapolis, University of Minnesota Press, 2003.
5

В какой мере то, что происходило в эти годы и продолжает происходить на наших глазах, связано с заимствованиями из английского языка? Молодые носители русского языка повторяют в некотором смысле и тот путь, которым английский язык шел на протяжении столетия. Усваивает огромное количество иноязычных слов, в том числе в написании латинскими буквами, и эти слова, и сами способы описания переводят на русский язык. Одновременно происходит сокращение привычных форм высказывания. Иногда мы видим, как человек пишет цифру вместо буквы (4 вместо «ч», например, или 7 вместо «с»): по-русски это выглядит непонятно, зачем делать так, если «с» выполняет ту же функцию. Но и здесь вступает игровая сущность языка. Человек играет языком и хочет это делать. Остановить этот процесс невозможно. Его нужно изучать. Тут есть и политическое измерение. Вот, норвежский исследователь Мартин Паулсен изучает, как влияют на язык переходы с латиницы на кириллицу и обратно. А знаменитый «лытдыбр«, который придумал пионер рунета Роман Лейбов, «играя» с кодировками? Это – пульсация новой реальности, в которой совсем скоро предстоит жить языку, подбирающему гардероб по погоде, в новых технических условиях, или, как выразился бы кто-то, беря новые опции там, где их только можно найти.
6

Одно из специфических свойств современных носителей русского языка, людей, говорящих по-русски, это склонность к эсхрофемизмам или суеверный страх перед эсхрофемизмами. Сигнал, заставляющий за невинным словом слышать грубое, ругательное, матерное слово. Почему больше не говорят «я кончил школу»? Нет, «окончил школу», «закончил школу», да потому что этот глагол имеет, оказывается, непристойный подтекст, и вот как бы чего не подумали. Вот это и есть проявление эсхрофемизма. Боятся сказать «последний» или «крайний». Эсхрофемизм – это изнанка эвфемизма. Сначала вместо запретного слова появится «блин», а потом придется запрещать глагол «блеять». Эту пунктирно намеченную схему нужно все время помнить, чтобы не превратить нынешнее поколение школьников да и взрослых носителей языка в малограмотных неврастеников, для которых живая речь, чтение и письмо становятся передвижением по минному полю.
Вайнрих Х. Лингвистика лжи // Язык и моделирование социального взаимодействия. Москва, 1987.
7

Что же дальше? Не станет ли так, что все носители языка станут говорить эрративами, что утратится грамотность и т.д. Если русский останется мировым языком, это вряд ли произойдет. С одной стороны, язык – это очень богатая сущность, и на смену одному поколению, слабее владеющему языком, обязательно придет поколение, которое будет владеть этим языком, точнее – своим вариантом того, нам не известного времени, лучше и внесет в него что-то новое, какие-то такие «исправления», которые сделали бы его менее понятным ушедшим поколениям. С другой стороны, язык – вещь таинственная. Он всегда больше, чем те отдельные сознания людей, которые им пользуются. Мы просто пользуемся им какое-то время, мы вошли в язык и мы говорим им и пишем на нем, видя, что, скажем, авторы XIX века писали намного лучше, чем сейчас – их язык гибче, сложнее, точнее выражает мысль, описывает вещь. Кажется, что вырубили вековой лес – вырос кустарник. Может быть, мы живем в эпоху кустарника, а потом, через 50 лет после нас, снова вырастет лес? Но это и аберрация сознания, мыслительный эрратив, или ошибка, вызванная, может быть, культом архаики, который страшно живуч среди образованного сословия в России. А язык, новый язык, может вырасти и пересаженным в другие места, отдалившись от современного языка метрополии так, как французский или румынский отдалились от латинского языка Цицерона и Горация. Как сегодняшние выпускники школ только поверхностно понимают даже Пушкина или Гоголя, а взрослые уже и позабыли этих авторов, занятые, несомненно, более серьезными делами.
Григорьев В.П. К четырехмерному пространству языка.(2000)

postnauka.ru/faq/16214

@темы: Вавилон-18 по-русски